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La galerie d'art contemporain a deux fonctions: rendre visible l'œuvre d'un artiste, et la commercialiser. Elle a donc une responsabilité très importante et probablement largement sous-estimée dans le paysage culturel actuel et futur.Rendre visible, c'est mettre en scène le travail de l'artiste. La galerie d'art contemporain sera en général le premier lieu où les œuvres sont vues par un public large et anonyme, et où ces œuvres seront donc soumises à une appréciation et à une critique extérieure. Mais c'est un lieu transitoire (en général de trois à huit semaines d'exposition).
Commercialiser les œuvres, c'est-à-dire les vendre, c'est confirmer une validation par le public du travail de l'artiste. La galerie et l'artiste en ont besoin pour vivre, mais aussi pour être confortés dans leurs choix. L'art étant soumis à une appréciation toujours très subjective, il a besoin de cette confirmation. Même si on en parle moins, si elle est moins visible, plus privée, la validation du travail d'un artiste par l'acquisition de son travail est probablement la plus importante car elle est plus évidemment sincère (l'acheteur s'engage personnellement et en paie le prix) que la critique, la reconnaissance muséale ou institutionnelle. La galerie d'art contemporain joue donc un rôle clé dans le développement et l'avenir de la carrière des artistes qu'elle représente.Un sujet important à traiter serait la difficulté pour la galerie d'art contemporain de commercialiser le travail des artistes qui continue à être de plus en plus éclaté, variable, non formaté.L'apparition de la photographie a exercé une influence sur de nombreux artistes dès le dix-neuvième siècle tel que Degas et permis de donner naissance à l'art moderne dont les principaux représentant sont Picasso, Matisse, Miró. La beauté n'est plus désormais l'apanage de l'antique.L'art contemporain a pour fondement les expérimentations de l'art moderne (début XXe siècle), et notamment le désir de sortir l'art des lieux traditionnels et institutionnels. En ce sens, l'art perd peu à peu de sa fonctionalité représentative. La création contemporaine demeure un miroir pour une réalité baignée des conflits et des prises de pouvoir qu’occasionnent ces attaques contre la rationalité. L'art reflète les crises de la société et demeure le lieu d'expression des valeurs. Les rapports de l’art à l’histoire ne s’évaluent ni qualitativement ni quantitativement, mais ils débouchent sur une conception plus fonctionnelle que formelle des modalités de l'art contemporain. Ainsi,les travaux photographiques de Louise Lawler remettent en cause les structures institutionnelles de l'art : collectionneurs, sièges sociaux, galeries, musées...) pour s'ouvrir à un plus large public ; les tracts et affiches de John Heartfield, et les constructivistes russes qui, dans leurs affiches et couvertures de publication, abordent la typographie et la mise en page comme un art à part entière. D'un autre coté, l'art contemporain cherche à se définir à travers les innovations formelles qu'il s'impose et qui refusent toute contrainte de représentation. Cependant, les acteurs de l'art moderne dans leur volonté d'exprimer leur opinion artistique hors des cadres institutionnels pour s'adresser au public, restent liés aux institutions ; leur démarche était de s'opposer à une idéologie (Heartfield envers le Nazisme) ou au contraire de participer à la propagation d'une pensée politique. Malgré la fin des idéologies imposées dans l'art moderne, les artistes actuels perdurent cet héritage en exprimant leur engagement profond par rapport aux institutions. Notamment, lorsque leur sensibilité y est perturbée.Aujourd'hui, l'art contemporain subit le déclin des idéologies du moderne (dans les années 1960, puis à partir de 1990 avec la chute du communisme) ; il se fonde sur de nouveaux comportements : renouveau stylistique, brassages artistiques, origines diverses, arts technologiques (accès à la puissance mathématique des ordinateurs et ergonomie des logiciels ), mode d'approche de la réalité. Les technologies ont toujours apporté des outils à l'art. Aujourd'hui, l'artiste s'en sert comme d'un instrument de médiatisation, et en invente de nouveau. Il se base sur la culture historique, répertoriée; lit, visite, comprend, cherche, se spécialise, focalise son sujet et dépasse ce qui a été fait; Il prend position parfois, se veut démonstratif ou choquant en tout cas il cherche la médiatisation.La notion d'avant-garde est revendiquée par les artistes dans leur priorité à la recherche et à l'inovation, en continuité directe des Expositions universelles dès 1851 et de manière quasi-simultané. Cette affirmation du nouveau va de pair avec une rupture totale d'avec les conventions : les catégories conventionnelles sont ébranlées (huile sur toile pour la peinture, marbre ou bronze pour la sculpture,...) et ammènent les artistes du XXe siècle à en créer de nouvelles telles que les collages, les assemblages, les ready-made, etc. Ce sont les "Avant-gardes" (terme issu du vocabulaire militaire et qui désigne une troupe dégagée et envoyée en éclaireur).L'Avant-garde n'est pas le fait d'un artiste isolé, mais plutôt d'un groupe qui s'unit pour défendre sa production, la lutte étant un passage obligé pour la diffusion de leur vision nouvelle du monde. Il n'y a donc pas une Avant-garde mais plusieurs, constituées de groupes d'artistes plus ou moins organisés.En 1936, Alfred Barr propose au Museum of Modern Art de New-York une exposition dans laquelle il met en place une table généalogique de l'Art moderne. Elle traite de l'héritage de l'impressionnisme et son classement ne se fait désormais plus par école nationale mais selon l'observation d'un mouvement international durant une période de cinq années de façon successive. La table met clairement en évidence la multiplicité des groupes, de leur substitution constante ainsi que du mouvement perpétuel.